编者按： 正在黄牛埔美术馆举办的《墨分九色——当代水墨九人展》，汇集了国内九位在当代水墨画界较有影响力的画家。刘庆和、张正民、吴非、杜小同、党震、朱小坤、王亚崴、王宏州和靳骐沣，分别任职于中央美院、南京师范大学、四川美术学院、中国国家画院、江苏省国画院、洛阳博物馆等单位，均在当代水墨画领域深耕多年，成就颇为突出。他们的作品源自传统水墨美学，既有对传统笔墨程式的突破，又有对东方哲学意蕴的延续。艺术家们通过实验性技法，将水墨从固有范式解放，以宣纸为媒介，书写全球化与人工智能时代下的个体感知。此次展览不仅是一次视觉之旅，更是一次文化思辨的邀请。黄牛埔美术馆以开放姿态承载多元创作，期待观者在墨色浓淡中体味传统与现代的张力配资炒股推荐几个网站，亦在九位艺术家的个性表达中，触摸水墨艺术无限可能的未来。 为让观众更好地欣赏展览作品，体会画家的作品魅力，我们分期推出九位画家的赏析文章，对画家的艺术发展和作品特色，进行简要的分析。文中所有资料均来源于网络和作者本人，如有表述不当之处，敬请理解！
朱小坤
1982年生于河南南阳，2004-2019 毕业于中央美术学院中国画学院，并先后获得学士、硕士、博士学位。现任教于四川美术学院中国画与书法艺术学院，副教授、硕士研究生导师，中国画系副主任、当代水墨研究所所长、人物画教研室主任，重庆市中国画学会副秘书长。
个展
2017 朱小坤·嵇馨 双个展，中央美术学院研究生院，北京
2016 无形——朱小坤作品展 ，Art100北京画廊，北京
2015 迷津——朱小坤作品展，一二堂，潍坊
2014 私想——朱小坤作品展 ，188艺术中心，上海
一、《重量的仪式》系列创作自述
我称它为《重量的仪式》。
我不再满足于墨的晕染与飘逸。墨色在纸纤维深处淤积、沉淀、板结，它不再是飘渺的烟云，而是可触可感的实体，是时间与力量在平面上的凝结。画面结构不再遵循传统的留白与空灵。浓重的墨块与鲜明的色块如碑如础，占据视觉中心；粗砺的线条如梁如索，在空间中交错、拉扯、支撑。它们构成一个看似稳定却又隐含张力的场域，仿佛承受着无形的压力，或即将崩塌，或坚定不移。这是一种视觉的引力，牵引目光下沉。这“仪式”，是创作的轨迹，也是存在的姿态。
画面最终呈现的稳定感与结构感，具有一种肃穆的庄严性。它超越了日常的琐碎，指向一种更为本质的秩序感。那份被刻意强化的“重量感”，是对轻盈美学传统的一种反思，甚至是一种挑战。它试图在墨的深邃与凝重中，挖掘被忽视的力量与厚度，完成一次对水墨表现疆域的精神祭献与回应。
《重量的仪式》不是对轻盈的否定，而是对水墨可能性的另一种确证。它是一场关于物质如何承载精神、形式如何言说存在的视觉仪式。
二、《花非花-2》创作自述
《花非花-2》源于对生命本真与存在模糊性的体悟。此作并非对自然竹子形态的再现，而是借水墨之灵性，探索“象外之象”的意境。
《花非花-2》旨在捕捉自然之物在人为干预或不可抗力下，其本真生长路径被扭曲、形态呈现荒诞异化的瞬间与情绪。画面中的竹叶排布并非是自然状态的生长，而是对《芥子园画传》中“画叶诀”的现实模拟，这些“人为”痕迹，或如无形的束缚勒入肌理，或如突兀的外力撞击形体，由此形成的物象，既非自然生长的竹子，亦非纯粹的抽象，而是呈现出一种挣扎、扭曲、甚至怪诞的“类植物”形态。竹节虬结并置，竹叶平行生长，在墨色的浓淡冲撞中，透露出被压抑、被塑改的痛感与荒诞性。
此作以水墨为媒，凝视自然生命在强力作用下的异化与偏离，追问本真与扭曲的边界，传递一种关于生长自由、外力压迫与存在荒诞性的复杂情绪。
三、《读》与《之间》创作自述
《读》与《之间》两幅水墨，试图捕捉生命经验中那些令人感伤的美学悖论：真与假的模糊、心相与表象的撕裂、动与静的永恒角力、残酷与美丽的共生纠缠。
《读》以浓墨的“书卷”和意象的“面孔”形态相交织，色调晦涩如挣扎的思绪。墨色叠加处形成深邃如烟的“伪影”，似真相的叠层，又似谎言的沉积。刻意制造的蒙太奇拼贴效果，使画面呈现多重解读的可能——你“读”到的，究竟是内心的投射，还是外在的虚饰？这种辨识的困惑本身，即是感伤的源头。
《之间》则凝固于动与静的临界。幽暗生长的花朵暗示奔涌的能量与时间的流逝，石膏质地的脸部在瞬间迸裂，宁静的夜空却被突兀的、凝固如冰的石膏碎块强行中断、切割。墨色浓烈处，残酷的压迫感与惊心动魄的美丽并存，如同荆棘中绽放的花。灰绿色的夜空非虚空，而是未被言说的静默深渊，吞噬着未尽的诉说，也映照着心相的孤独。
四、《梦空间-1》创作自述
《梦空间-1》试图以水墨为媒介，捕捉梦境与现实相互渗透、层叠、扭曲的错落感，呈现意识深处那片既熟悉又疏离的疆域。旨在邀请观者步入这片水墨晕染的“梦空间”，在熟悉与陌生、逻辑与荒诞、记忆与幻想的交织碰撞中，体味意识深处那份迷人的迷失与悸动。
画面构建于多重时空的叠印之上。整瓶红酒缓缓地从植物的上空倾倒——这是现实的残影，却被酒痕洇开，失去清晰的边界。青绿假山放置于地面或悬浮于天空，这些“梦中之物”并非孤立存在，它们与背景的现实碎片相互穿透、嫁接、挤压，形成逻辑断裂却又情感相连的奇异空间。画中少年动作舒缓、表情平淡而不起一丝波澜，梦境元素则时而浓郁如夜，时而空灵如烟。淡绿色的天空不再仅是虚空，而是意识流动的通道，或是现实与梦境相互吞噬又彼此分离的裂隙。
创作过程本身即是一场“造梦实验”：利用水墨的流动性与可控性，在预设与偶发间捕捉非理性的构图，让画面在混沌中自然生长出超逻辑的秩序。
五、《觉是》《无相》创作自述
《觉是》与《无相》是一组以水墨探索佛学意象与内在觉性的作品，聚焦于千手观音之“手”与佛首之“相”的辩证表达。
在《觉是》中，千手观音并非被描绘为具象神祇，其无尽法手成为绝对主角。画面以纵横交错的墨线、浓淡冲撞的墨块构成“手”的丛林——或如枯枝虬结，或似惊涛翻涌，或化流云聚散。这些“手”挣脱了传统造型的束缚，在看似无序的水墨晕染与飞白中，指向“千手”所象征的无量悲智与无边法力，更隐喻众生纷繁的执念与妄动。题名“觉是”，意在叩问：在万般幻化中，何为真实的觉知？
《无相》则直指佛首。画面以极简的水墨语言呈现：仅以氤氲水墨勾勒轮廓，五官模糊甚至消解。佛首不以庄严宝相示人，而是通过墨色的渗透、水迹的流淌、纸张的肌理本身，传递一种超越具体形象的寂静与圆满。“无相”之名，既契合佛理“凡所有相，皆是虚妄”，亦是对水墨媒介“得意忘形”特质的极致发挥——真容不在皮相，而在观者心中所生的那份澄明。
此二作以水墨之虚写佛法之空，借有形之手与无相之容，追问觉性与本相的真谛。
（朱小坤 2025年5月记于四川美院·虎溪公社）
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